Diccionario

Presentamos en este enlace algunos de los términos y conceptos más característicos y distintivos del Jazz. Fuente: Clayton, Peter, Gammond, Peter. Guía Alfabética de los Nombres, los Lugares y la Gente del Jazz. Madrid, Taurus, 1990.

Baile
La historia del jazz tiende a centrarse primero en la música (…) pero hay que tener en cuenta que mucha de esta música fue pensada e interpretada para bailar. La mayoría de las actividades jazzísticas (en los primeros tiempos sobre todo) han estado ligadas estrechamente al baile y sus exigencias, y los cambios de moda en la pista de baile han ocasionado el avance del jazz con más frecuencia que la situación contraria. En los comienzos, el ragtime y el cakewalk estaban casi totalmente entremezclados y, cuanto más se retrocede en la historia del jazz, más se comprueba que el objetivo principal de las primeras bandas era suministrar música para bailes como el one-step, el two-step y todas las demás novedades, del camel walk al foxtrot. Esto todavía era cierto en los años treinta, la época del swing, música que surgió en parte como resultado de la obsesión por el baile reinante en el Savoy y otros lugares; aquella música impetuosa y llena de riffs era justo lo que requerían el lindy, el jitterburg y todos los demás bailes y pasos. Solamente después de este periodo empezó a concebirse el jazz como ejercicio intelectual, como música para escuchar.

Además de para los finos bailes de sociedad y el combate cuerpo a cuerpo en las grandes salas de baile, el jazz también ha suministrado material para ballets y todo un mundo especializado de danza jazzística. Hace referencia al libro Jazz dance, de Marshall y Jean Stearms (MacMillan, Nueva Yourk y Londres, 1968).


Band
El término colectivo banda se mantendría a lo largo de la historia del jazz para describir a grupos pequeños de metales y maderas, con piano y guitarra o banjo añadidos; por ejemplo The Creole Jazz Band o The Original Dixieland Jazz Band. Una expresión derivada, Big Band se incorporó al lenguaje de jazz en los años 20 como nombre de los grupos que doblaban el número de instrumentos para tocar jazz orquestado; la palabra orquesta ha tenido siempre una aureola algo pretenciosa, por sus resonancias clásicas (…). Aun así este término fue usado (…) por algunos grupos de jazz, en particular aquellos que tocaban en reuniones sociales de blancos, por ej The Wolverine Orchestra. Suele reservarse para la banda grande que toca en estilo swing.

Bebop, bop
Nombre que adoptaron las revolucionarias tendencias jazzisticas surgidas en los años cuarenta. Palabra onomatopéyica que en sentido amplio significa go man, go, vamos hombre, vamos, según W and F. Puede ser asimismo un reflejo del “arriba” que se empleaba como voz de ánimo en loas bandas latinas de moda entonces, o también una vocalización scat, a la manera de Dizzy Gillespie y otros, del típico fin de frase que caracterizaba el nuevo estilo, por ejemplo en Hey-baba-re-bop, tema cantado por primera vez por Lionel Hampton en 1945. Casi siempre se usa bop a secas.

El jazz en su evolución, se había ido aproximando a la música clásica por el empleo de los acordes de novena, undécima y decimotercera, y la ruptura de los pétreos esquemas rítmicos de los primeros tiempos. Estas innovaciones eran en parte un intento deliberado de hacer el jazz más difícil para el intérprete medio. Sus responsables eran músicos negros que a causa de su raza no habían podido optar a los lucrativos empleos derivados del éxito del jazz y el swing. Un pionero del nuevo estilo fue el guitarrista negro Charlie Christian (1916´1942), quien se unió a la banda de Benny Goodman -no sin alguna resistencia inicial de éste- y pronto causó sensación con su percusivo toque amplificado, sus disonancias y su arrogante empleo de los acordes de séptima disminuida y quinta bemol. Era un concepto de jazz más fresco y práctico que el conocido hasta entonces, y fascinó a los músicos de color jóvenes, que lo vieron como una vía de escape a los convencionalismo establecidos y como un símbolo de la música negra.


Otros llegaron a las mismas conclusiones musicales por caminos distintos: por ej Billy Eckstime (n. 1914) que reorganizó en 1944 la banda de Earl Hines juntando fuerzas con Dizzy Gillespie (n. 1917) (…) Tanto Teddy Hill como Kenny Clarke -músico e influyente baterista en la época del bop y posterior- dirigieron la banda del Minton’s Playhouse en 1941, y puede decirse que entre ambos consiguieron que todos los elementos del bop se conjugaran, reuniendo en la banda de dicho local a los músicos citados y a otros como Thelonius Monk (1917-1982) y Chaarlie Parker (1920-1955).

(…) Conforme el jazz moderno se hacía más amplio y libre, la palabra bop fue dejando de usarse. La aparición real del bop en discos se vio retardada por la huelga de la Federación Americana de Músicos, que duró desde agosto de 1942 hasta 1944, dejándonos casi sin testimonio de uno de los períodos más innovadores de la historia del jazz. Las primeras grabaciones del bop hecho y derecho fueron realizadas por Parker y Gillespie para el sello Guild en febrero y mayo de 1945, con un material tan típicamente bop como Groovin’ high, Shaw nuff, Salt peanuts y Hot house.


Bend
(lit Curva, doblez) Sonido deliberadamente deformado que se obtiene en los instrumentos de metal con los labios o presionando a medias el pistón, con lo que se modifica la afinación ligeramente. ES uno de los recursos que distingue la interpretación jazzística de la convencional.


Blue notes, blues notes
Notas de la escala que suelen ser disminuidas medio tono (o algo menos de medio tono) en el fraseo y la armonía típicos del jazz. Son, en concreto, las notas tercera, quinta y séptima de la escala. En sentido más amplio, cualquier nota a la que se da una entonación blue, o bemolizada.


Break (Corte)
Pasaje improvisado corto, especie de cadencia breve, que interpreta un solista o grupo de instrumentos mientras el resto de la banda permanece callado durante unas pocas notas o compases.

Jelly Roll Morton mantenía haber inventado los breaks en el jazz, y la verdad es que su música está sembrada de ellos. Incluso en su música para piano hay pasajes que sólo pueden ser descritos como breaks, ya que la mano izquierda permanece silenciosa durante un compás o dos mientras la derecha interpreta un adorno o figura de enlace. Morton consideraba los breaks como una especie de sorpresa musical, y llegó a decir que “sin breaks no se puede tocar jazz”. Esto no es literalmente cierto, por supuesto, pero de todas formas el recurso se ha convertido en uso de los sellos típicos de la música de orientación jazzística. Otro nombre alternativo es lick, que en español suele traducirse por “corte”.


Chorus
En términos musicales el estribillo, la parte de una canción que se repite después de cada estrofa. No obstante, en jazz el chorus es el grupo de compases sobre el que improvisa cada uno de los solistas -normalmente un chorus suele coincidir con la extensión o número de compases del tema que se interpreta-. De aquí viene la expresión take a chorus [Los músicos españoles han acuñado la expresión dar una vuelta, o dos o las que sean, para este mismo menester, por lo que como traducción más exacta de chorus puede proponerse “vuelta”]


Improvisación
Desde hace tiempo la improvisación es considerada uno de los elementos clave del jazz. La mayoría de las definiciones de los primeros libros sobre la materia hacen ya hincapié en que el jazz es una música improvisada. Tomada la palabra en su sentido literal de “algo” que se hace irreflexivamente, hay que entender que sólo una pequeña parte del jazz es totalmente improvisada, y esa pequeña parte (en forma de jam session, etc.) a menudo acaba siendo bastante caótica. La verdadera improvisación sólo se sostiene si está basada en algunos fundamentos elementales. El jazz, como cualquier otra música, impone por su propia naturaleza una repetición constante de ideas, frases y efectos, lo que quiere decir que la mayor parte de las interpretaciones jazzísticas tienen siempre una base definida y estable. Además, según ha ido progresando, el jazz se ha ido haciendo más orquestado y menos improvisado. Duke Ellington desconfiaba de la improvisación pura y simple, y sobre esta cuestión escribió lo siguiente: “Creo firmemente que no ha habido nadie que haya tocado dos compases dignos de escucharse sin haber pensado antes lo que iba a tocar”. Esto no quiere decir, sin embargo, que el jazz no tenga un carácter espontáneo e improvisado. La improvisación jazzística es el estilo de lo que se toca, más que la sustancia: la libertad de no estar atado a la nota escrita o a unidades estrictas de tiempo ni siquiera en el jazz orquestado.


A pesar de lo dicho, actualmente se toca mucha música improvisada en su totalidad. Gran parte de ella es interpretada por músicos que se han dado a conocer en el mundo jazzístico, y hay por ello una tendencia a considerar que esta música de forma libre es una extensión más del jazz. Sin embargo cuanto más libre se vuelve, más se parece a los sonidos completamente improvisados que elaboran ciertos artistas afincados en la música académica o “clásica” (escriben los autores en 1989)


Lick (lamedura).
Es otra manera de decir break, o sea solo breve improvisado o frase corta de una sección que se intercala mientras calla el ritmo. A partir de 1938 se empezó a aplicar en sentido más general a cualquier tipo de improvisación, en particular solos breves. Hot lick, solid lick, etc., son expresiones corrientes en jazz.


El antiguo significado de lick en argot era blow (soplido), así que el nuevo puede haber seguido los pasos del significado jazzistico de blow, tocar. Posteriormente, lick se ha empleado con frecuencia en sentido despectivo, para designar los trucos a los que recurre un músico cuando se le seca la imaginación.


Riff
En un principio, frase breve y característica que se repetía como acompañamiento; la interpretaban -casi siempre en armonía- los músicos de primera línea, haciendo fondo al solista. Morton definía los riffs como “figuras” y decía que “ningún pianista puede tocar buen jazz si no trata de imitar a una banda, creando una base de riffs. Esta figura repetitiva fue viéndose poco a poco como un fin en sí misma. Ganó notoriedad y énfasis rítmico, y llegó a ser un ingrediente fundamental en los arreglos orquestales de la era del swing de los años treinta. Los riffs, interpretados por secciones enteras, proporcionaban el impulso y la excitación rítmica que el idioma del swing requería. El riff acabó adquiriendo  una importancia fundamental, hasta el punto de convertirse en el principal elemento de muchos números en los que los solos sirven únicamente de añadido decorativo. Pasajes así se pueden encontrar en obras muy tempranas, como King Porter Stomp y The Pearls, ambas de Jelly Roll Morton. En muchos temas el soporte lo proporcionaba el esquema de acordes del blues de 12 compases: es el caso de En forma, la popular interpretación de Glenn Miller, construida eficazmente sobre una base de riffs.


Éste es uno de los significados del vocablo. Pero hay también quienes lo usan con el sentido de frase o pasaje que improvisa un solista o una sección tocando en armonía. Es decir, casi como sinónimo del lick, frase corta y aislada que no se repite inmediatamente pero que reaparece como elemento distintivo de la interpretación.


Panassié en su Dictionary of Jazz indica que algunos críticos creen que el riff demuestra falta de imaginación, cuando en realidad es una reminiscencia de los holler, los blues y espirituales, las canciones de trabajo y otras formas musicales en las que la repetición tenía un efecto dramático. Este mismo efecto, cuando se conseguía adecuadamente, era uno de los fenómenos más gozosos de la época del swing.


Sección rítmica
Grupo de instrumentos que proporciona la base de ritmo a un conjunto de jazz. La línea que separa a la sección rítmica de los instrumentos melódicos o de primera línea no es siempre fácil de trazar. En las viejas bandas tradicionales se puede decir claramente que la sección rítmica constaba de batería, contrabajo o tuba, guitarra o banjo, y a menudo también piano. Pero en grupos posteriores, el piano, el bajo y la guitarra podían hacer el papel de instrumentos solistas. Hablando en general, la sección rítmica es la que marca el compás y la base armónica. Algunas secciones rítmicas han otorgado considerable personalidad a sus bandas; por ej. la formada por Freddie Green, Walter Page y Jo Jones en la primera banda de Count Basie, o la de Fred Guy, Wellman Braud y Sonny Greer en la orquesta de Ellington.


Soul (lit. alma)
Cualidad íntima de sentimiento, calor, sinceridad. La palabra se puso de moda en el jazz moderno; en el tradicional no hacía falta, porque el soul se daba por descontado. Apareció con el sentido de vuelta a un jazz con emoción y arraigo, como reacción frente a las escuelas frías y mecánicas de los años cincuenta. Tocar con soul es tocar con el sentimiento del blues, con el estilo funky. En el jazz de la Costa Este se convirtió en término de aprobación, irrumpiendo en títulos como Soul brothers. La música soul era al principio un tipo de música que tenía algo del fervor y el ritmo del viejo gospel; después el término soul pasó a la música popular, primero más o menos como sinónimo de canción gospel, y luego sin ninguna connotación religiosa.


Stride, piano
Estilo pianístico popularizado en Harlem y en otros lugares. Se desarrolló en los años veinte como extensión de estilos anteriores como el ragtime y el jig piano. Toma su nombre por los característicos saltos (strides) que daba la mano izquierda al tocar lo que entonces se llamaba vamp bass, alternando potentes notas en el tiempo débil del compás -por lo general en octavas, décimas u otros intervalos- y acordes en el tiempo fuerte. Parecía como si la mano izquierda diera saltos rápidos, generando un gran impulso y dando un gran énfasis a elementos que, como el ritmo y el swing, eran de gran importancia en los años treinta. Los mejores representantes del estilo, músicos como P. Johnson, Art Tatum, Luckey Roberts y Fats Waller, crearon una gran variedad de estos bajos, evitando que cayeran en la monotonía. Otros como Earl Hines o Duke Ellington, emplearon el stride de manera menos sistemática, sólo para poner algo de tensión en sus interpretaciones. Los pianistas de estilos tradicionales siguen recurriendo a este estilo de vez en cuando. Intérpretes como Carrol Gibbons, Charlie Kunz lo han llevado a la música comercial en una versión algo descafeinada. En los años cuarenta los ritmos demasiado evidentes del jazz tradicional fueron objeto de algunas críticas y el stride pasó de moda, aunque algunos pianistas -como Ralph Sutton- han mantenido su continuidad. Thelonius Monk, considerado el arquetipo del músico de jazz modernos, empleaba con cierta frecuencia una variante personal y bastante humorística del estilo, que puede ser calificada de “stride with a limp”.


Tradicional, jazz
Jazz del viejo estilo; en dos por cuatro, diatónico y de ritmo sostenido. Tradicionalistas son los que tocan o admiran ese jazz. A partir de los cuarenta, el jazz abandonó sus formas tradicionales y comenzó a ser llamado vagamente “jazz moderno”. Desde entonces el primer jazz ha sido interpretado por supervivientes de los viejos tiempos y bandas nostálgicas cuya música se ha denominado también jazz tradicional.

 

3 pensamientos en “Diccionario

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *