La originalidad musical del Jazz

Charles Boeckman (Breve Historia del Jazz, Buenos Aires, Victor Leru, 1979) caractrizó al jazz Jazz_Silhouettecomo un arte popular de origen norteamericano, de un extraordinario dinamismo y originalidad,  que desde el siglo XX se oye y practica en extensas partes del mundo. En pocos años fue adquiriendo prestigio, y de ser un arte musical de dudosa reputación pasó a ser una música oída,  practicada y valorada en todo el mundo.


Uno de los rasgos que lo diferencian de la música clásica -esto también sucede con otras músicas- es que no hay versiones escritas definitivas, la música de jazz, en buena parte, se crea cada vez que se interpreta, por eso la importancia de la audición en directo, y también de la grabación. Toda transcripción es sólo un pálido reflejo de su música, particularmente de sus caracteres rítmicos, del swing.


A la hora de definirlo como un estilo o un género, surge la dificultad, pues puede ser música jazz la que hace un grupo de guitarristas, un clarinetista, una orquesta de vientos o una canción acompañada al piano.


Se han intentado calificar las distintas formas de jazz, por ej Jazz tradicional de Nueva Orleáns, estilo Chicago, Jazz de la Costa Oeste, Bebop, Cool…  He aquí una página que os puede arrojar algo de luz sobre lo que algunos consideran los tres estilos del jazz primitivo o tradicional.

Sin duda, la música de jazz abarca diversos estilos. Es mucho más que música popular, tiene una clara dimensión artística, estilizada, profesionalizada, con exigencia de técnica y de formación musical, reglada o no… Pero también puede ser vista como música popular, por el modo en que comunica con la afición,  y por cómo se interactúa con ella. Esto sucedió particularmente en los EEUU en la época de las grandes orquestas de swing (ca. 1935-45), a pesar de que esas agrupaciones no hicieran un “jazz puro”… Pero estaban, al menos, muy influenciadas por él.

No solo es cosa de afro-americanos, pero ellos fueron los principales actores y protagonistas, sobre todo en sus orígenes. Algunos musicólogos han afirmado que se ha sobrevalorado el elemento africano del sur, que el jazz tiene más de europeo que de africano. Afirman que por ej la música de jazz se basa en melodías de 12, 16 o 32 compases, que emergería de las canciones folklóricas europeo-norteamericanas, baladas inglesas, escocesas e irlandesas, himnos protestantes, marchas militares… Gunther Schuller (El jazz, sus raíces y su desarrollo) mostró que no es así, que también en la forma tiene clara influencia africana, aunque sin duda es un producto de fusión de culturas musicales llevado a cabo en los Estados Unidos. Martin Wilson por su parte centra la cuestión aclarando que el sentido del ritmo, o de la música, no es privativo de ninguna raza, aunque bien es cierto que sin el fundamental componente africano, el jazz no existiría. Jelly Roll Morton, el primer gran compositor de jazz, también destacó la importancia del matiz hispano en la música jazz.

Boeckman mantenía que la escala más usada del jazz es la diatónica, de tradición europea, y no la africana pentatónica. En realidad en África existen escalas hexa y heptatónicas. Las armonías son más bien de diseño europeo. Se puede afirmar inicialmente que sin la influencia africana y el sentimiento “soul” africano, no habría surgido el jazz. Y sin la fusión de formas musicales europeas con las africanas no habría surgido el jazz. Algo muy parecido se puede afirmar del flamenco: no existiría sin los gitanos, pero tampoco sin lo andaluz.


El jazz es difícil de definir -más bien hay que sentirlo, dejarse llevar e interpelar por esa música-. No obstante debemos intentarlo. En una próxima entrada ampliaremos sobre los caracteres musicales del jazz y su impronta africana.

Antes de que todo comenzara…

Antes de los comienzos. Algunas claves sobre los orígenes históricos del jazz

¿Dónde nació la música jazz? En el río Mississippi, en Nueva Orleans, según muchos. Otros mantienen que la música

Fuente: http://www.nola.com/living/index.ssf/2015/05/george_lewis_nick_gagliano_new.html

jazz nació más o menos simultáneamente en distintos lugares de los EEUU y contando con muchas fuentes: la música religiosa, la antigua música folklórica norteamericana, la música de los minstrel shows (músicos con cara teñida de negro en vaudevilles), canciones y danzas de esclavos de origen africano, piano del ragtime, bandas ambulantes. El piano ragtime y las bandas ambulantes son las fuentes más ligadas al jazz primitivo, el tradicional, que se aleja solo un punto de la música de las marchas.

Los africanos han aportado mucho, un estilo de hacer música, libre, rítmico con swing, la emoción con que interpretan su música folklórica que se transformó después en jazz. En el nuevo mundo absorbieron la armonía y el concepto de la forma occidental y condensaron las ideas musicales africanas y europeas, dando un estilo musical que puede ser llamado afroamericano. Parece que acaban predominando las escalas europeas pero interpretando con estilo blue, profundo, obsesivo.

Era una música que se alejaba de la clásica occidental, no se leía, brotaba de dentro, no se copiaba, se producía en cada momento y contaba mucho la implicación de los intérpretes.

En los EEUU hubo esclavos en las colonias del norte, y cuando se necesitó mano de obra en los del sur, comenzaron a poblar estas colonias. Fue de estas poblaciones de esclavos africanos de donde surgen los spirituals , los blues y los primeros sonidos de la música de jazz.

Puesto que no tenían medios, hacían música con todo tipo de artilugios caseros. El más importante instrumento musical de los esclavos, además de todo tipo de percusiones con instrumentos caseros, fue el banjo, se dice que la versión americana de instrumentos tipo kitar. El más popular en los orígenes fue el de 4 cuerdas, llamado hoy tenor. Fue usado mucho en las primeras bandas de jazz, después se abandonó y en los 70 volvió a adquirir prestigio.

Los esclavos fueron adquiriendo cierta formación de la música tradicional de los pobladores blancos de las colonias respectivas, de origen muchas veces inglés, o escocés… y hacían versiones propias, transformadas.

Se habla de las reuniones de los campamentos por todo el sur a lo largo del siglo XIX, una vez aceptada la religión protestante mayoritaria (más o menos mezclada con elementos africanos) como base del negro espiritual.

Puesto que estaba prohibida la danza en los servicios religiosos protestantes, los negros “burlaron” esta prohibición tocando palmas y moviendo rítmicamente el cuerpo al tiempo que se cantaban himnos. Todas las descripciones de la época hablan de su fuerte poder emocional. De aquí surgían ideas melódicas espontáneas. Las estrofas recitadas por un solista y cantadas luego por el grupo de himnos. Esto fue adoptado dentro de la tradición africana del canto responsorial solista/coro.

También se citan las canciones de trabajo colectivo (estibadores portuarios, presos, obreros, ferrocarril) como ocasión en que ponían en práctica la música parcialmente inculturada. Los buenos guías eran muy valorados.

Se cita también el Mardi Grass, último día de carnaval en Nueva Orleans, con música y danzas, sobre todo los de origen franco-español que participaban en los desfiles de cuadrillas que se organizaban, en ritmo de 2/4 y 6/8. Melodías como el Tiger Rag, clásicas del jazz, provendrían de ese contexto. Congo Square, en Nva Orleans, origen de himnos a ritmo de blues, y tantos famosos intérpretes como Louis Amstrong, King Oliver, Jelly Roll Morton, incluso posteriores como Al Hirt y Pete Fountain.

El vaudeville.
El rag time, las bandas callejeras y el estilo smear del trombón, todo ello del siglo XIX, no eran todavía jazz pero se le estaban acercando. Así concluye este capítulo del vaudeville, que explica como primer precedente inmediato del jazz.

Vaudeville (o Ministrel Show): https://youtu.be/ujanMkS_9zo teatrillos musicales, comedia basada en danzas cuentos y música negros, invención de los USA (según el autor) en el que había coros, músicos, números cómicos… con un maestro de ceremonias en el escenario que iba presentando al grupo musical, una fila de comediantes con los rostros pintados de negro de los que destacaban los hombres de punta, que tocaban o el pandero o los bon, como castañuelas de hueso. Se basa en costumbres y cuentos de negros, transidas de cierta sabiduría. Es la forma de diversión más popular entre 1840 y 1900, la época del alumbrado de gas. Influyeron directamente en las comedias musicales. Los Christy Minstrels desarrollaron una forma estándar de vaudeille que se hizo famosa: entrada del coro y hombres de punta cantando y bailando, chistes, intercambios cómicos, intermedios musicales… baladas y baile. Banjo, pandereta y bones… luego se agregaron otros instrumentos orquestales. Parte importante fue el baile llamado Cakewalk, marcha de pasos altos y saltos al compás sincopado del ragtime, la forma de música más popular de finales del XIX.

El ragtime procede del piano del sur y centro de los EEUU, con apogeo desde 1890 hasta 1917, pianistas de bares y tabernas, como Scott Joplin, negro músico de Texas establecido en Sedalia, Missouri. Famoso fue su rag Maple Leaf Raf (1899), de estilo sincopado en 2/4 acentuando los tiempos débiles con la mano derecha, no era melancólico como el blues sino siempre alegre. Dio origen al estilo stride bass (grandes saltos del bajo con la mano izquierda) en el que destacaron James P. Johnson y Fats Waller. Por ej Twelfth Street Rag, o Down Home Rag. Es el estilo de los 90. Se une a esto el smear del trombón, glissandos de deslizamiento que se cruzaba con el estilo de las bandas callejeras y el piano de pedales del ragtime.

¿Cuándo y cómo surgió el jazz?

Saludos. Continuamos la actualización del blog como herramiento de apoyo a la asignatura El Jazz y las Músicas Populares, curso 2015/16.

En esta entrada reflexionamos sobre la música que, particularmente en Nueva Orleans, existía justo antes de que el jazz comenzara a existir. La dejaremos también en el apartado “Los estilos”, después de los precedentes

Tras la emancipación de los esclavos, muchos se asentaron en Nueva Orleans y muchos comenzaron a tocar, sin formación musical reglada, los blues y los spirituals, pero también en las bandas de la ciudad. A la vuelta de los entierros las bandas tocaban melodías rápidas en 2/4, como Didn’t He Ramble o When the Saints Go Marching In.  Las bandas abundaron en Nueva Orleans y entre ellas se establecieron competencias callejeras muy acusadas. Muchos futuros músicos de jazz tocaron en ellas, aunque eso todavía no era jazz.

Entonces, ¿qué paso se tuvo que dar, podemos decir, para que el jazz surgiera? ¿Cuándo y cómo surgió el jazz? Citamos ideas (no las citamos literalmente salvo comillas) de Gunter Schuller en su libro El jazz. Sus raíces y su desarrollo. Pp 80 y ss.

No existe una fecha de comienzo del jazz como música definida y autónoma. Se lo suele ubicar entre 1895 y 1917, año en que el término jazz se generalizó y en el que la Original Dixieland Jazz Band realizó sus primeras grabaciones. Además parece claro que el jazz temprano surgió en muchos lugares de los Estados Unidos, no sólo en Nueva Orleans.

Testimonios como el guitarrista Danny Barker recuerdan que a finales del XIX y principios del XX la forma de entretenimiento bandas n orleansmusical más excitante en Nueva Orleans no era las bandas de jazz sino las bandas de bronces, y el veterano clarinetista Alphonse Picou, de Nueva Orleans, afirmó que la música que escuchaba a principios de siglo no era ragtime, sino marchas, música de vientos, de desfiles. Los músicos de la época recuerdan que todavía para los años 1917 y 1918 no hacían improvisación (no sabían lo que era) sino adornos en la melodía. Otros testimonios recuerdan que el piano ragtime fue el influjo principal en la zona de Ohio, y que el cambio al jazz tuvo lugar alrededor de 1912 a 1915, cuando entraron en las bandas el banjo de cuatro cuerdas y el saxofón. Los ejecutantes comenzaron entonces a realizar elaboraciones sobre las líneas melódicas, pero la armonía y el ritmo de las composiciones que tocaban seguía siendo fijo, el mismo.

Música de bandas, marchas, en la calle, y ragtime instrumental en los salones de baile. Y en cuanto a Nueva York, Bushell afirma que a principios de los 20 solo se podía escuchar blues y verdadero jazz en los cabarets de mala reputación donde iban las clases inferiores. En el hogar negro de clase media no solía permitirse interpretar blues y boogie-woogie, pues se asociaba a baja categoría.

Los blues no cambiaron de estilo desde los años 1880 a los años 1920.  George Morrison, músico de principios de siglo, cunta que entre 1901 y 1911, él, su hermano, su cuñado… no podían interpretar música “original” (blues…) en su conjunto de cuerdas: el repertorio era de valses, baladas populares, y “tal como estaban escritas”, es decir no podían improvisar. No se toleraba ninguna música ruda, vulgar todo era música refinada, sentimental. Por tanto la mayoría de músicos que poco después comenzaron a hacer jazz tocaban música “sweet”.

La mayoría de las canciones grabadas antes de 1923 fueron hechas por bandas de novedades, grupos potenciales, germinales de jazz, forzados por las compañías discográficas a tocar música bailable de consumo, la que el público demandaba: el jazz todavía no era un bien de consumo, como lo sería solo muy pocos años después. Hay que esperar a las grabaciones de King Oliver o Louis Armstrong para encontrar música de especial calidad. También las barreras sociales hacia los músicos de color impidieron grabaciones anteriores. Por esto los primeros músicos de jazz solo se dedicaban a esta música de manera marginal y ocasional, y muchos conocían el repertorio “occidental” y habían recibido una formación estrictamente clásica.

Resumiendo, los músicos de Nueva Orleans tocaban todo tipo de música y solo una parte de ella contenía elementos que poco después se convirtieron en jazz primitivo. Había una especie de música marginal que estaba al borde del jazz. La música que después comenzó a ser llamada jazz solo se interpretaba marginalmente, dependiendo del lugar y extracción social donde se tocara.

Todos comenzaron a grabar en 1923, que es también el año en que Bessie Smith grabó sus primeros discos de blues Original dixieland jazz banddespués de que Mamie Smith desatara la moda de los blues en 1921. Entonces fue cuando el jazz comenzó a unificarse: cuando pasó a ser artículo de consumo demandado en las zonas de entretenimiento de Chicago, Nueva York, Los Ángeles, Kansas City y cuando -casi al mismo tiempo- los discos de la Original Dixieland Jazz Band comenzaron a difundirse.

Jelly Roll Morton, ¿el inventor del Jazz?

Si no el inventor, al menos habría que considerar a Jelly Roll Morton como el primer compositor de Jazz.

En http://www.musicweb-international.com/jazz/2006/Jelly-Roll_8120824.htm

En http://www.musicweb-international.com/jazz/2006/Jelly-Roll_8120824.htm

Jelly Roll Morton  (Ferdinand Morton) fue un músico criollo de Nueva Orleans que había recibido formación clásica pero tocaba el piano ragtime en Storyville a principios de 1900, lugar lleno de casinos, tabernas bares cabarets, donde muchas bandas trabajaban cada noche. Fue de carácter provocador y fanfarrón y esto ha influido en la desconsideración de su figura de excelente músico creador, quizá el músico que primero codificó y transmitió las normas de funcionamiento del jazz.

Cuando a los 17 años su tutora y bisabuela descubrió que en vez de ser vigilante nocturno -como le había dicho- se dedicaba a los clubs, (tocaba, bailaba, jugaba al billar, hacía números cómicos de vaudeville), lo echó de casa y comenzó a viajar con su música, por Memfis, Chicago, N York, Kansas City Los Ángeles… Fue él quien primero se propuso transportar esa música -que aún no se llamaba jazz- al piano, mezclando el ragtime, la música de juglares y el blues, él decía que él había inventado el jazz. Aunque no sea estrictamente cierto, escribió muchas melodías que se convertirían en el estándar del jazz, como Wolverine Blues. Morton hablaba del matiz español que había que darle a la música jazz para que sonara auténtica. Ya en los años 40, años más tarde de su época de mayor actividad, grabó en la Biblioteca del Congreso y esas grabaciones nos enseñan mucho de qué tipo de músico fue.

Martin Willians (1990: 25) escribe que “una de las mejores grabaciones de Morton es un tema al que llamó Dead Man Blues, elaborado con las melodías de varios temas distintos, en concreto tres. Obviamente las melodías han de encajar bien entre sí, deben disponerse en un orden que dé sentido musical y emocional al tema resultante (…). La grabación de Morton de Dead Man comienza con el eco de una procesión funeraria, una introducción basada en la conocida Marcha Fúnebre de Chopin interpretada por el trombón con un toque de humor”.

Del primer tema, en estilo polifónico, destaca -resumimos las ideas de Williams- el diálogo entre la trompeta y el clarinete acompañados por el bajo en el trombón. El estilo se distancia del pesado estilo Dixieland. Después de unas bellas variaciones en el tema segundo, un solo a la corneta hace de puente al tercer tema y curiosamente no pierde en belleza y originalidad. El tercer tema es un trío de clarinetes que tocan una bella melodía-armonía de blues tipo riff hasta que el trombón de Kid Ory entra con una profunda contramelodía.

Williams repara en las diferencias entre la música de King Oliver y la de Mortom. La mayor virtud de la de Oliver provenía (ibidem: 27) de la forma en que tocaban juntos sus músicos de forma improvisativa. En cambio la música de Mortom estaba “compuesta”, pensada, y daba gran importancia a la forma orquestal. Rítmicamente era inferior a la de Oliver pero era más sofisticada, más compleja formalmente, más “moderna”. Es un desarrollo superior, un paso adelante sobre la forma establecida por los compositores de ragtime, incorporando a un tiempo elementos rítmicos y armónicos del jazz y del blues: “la música de Morton representa un compendio de todo lo que el jazz había conseguido antes de que las innovaciones de Armstrong reinterpretaran su lenguaje básico” (Ibidem).

Williams establece una similitud entre Mortom, Ellington, Lewis y Monk: todos eran pianistas o tocaban el piano sin ser grandes virtuosos, fueron compositores, poseían un concepto orquestal del piano, grandes acompañantes, todos innovaron en el binomio improvisación-forma y el de libertad-disciplina o individualidad-conjunto. Y todos recibieron influencia del piano ragtime, que había conseguido reinterpretar los temas folk previos, la música religiosa previa, los temas de marchas de la época y la previa música de baile de origen europeo.

En torno a 1910 Morton había comenzado a extraer las virtualidades del piano ragtime y a apartarse de su caricatura, del exhibicionismo fácil y superficial al que muchos pianistas de ragtime se dieron. “El ragtime era estuctural, rítmica y emocionalmente limitado, y Morton pareció darse cuenta de ello” (Ibidem, 29). Tenía conocimientos musicales, conocía la música europea, la técnica de la variación, las formas complejas… cosas que desconocía por ejemplo J Oliver. Si a esto le añadimos su fina intuición con la que sabía relacionar las tonalidades y modular y el añadido de los ritmos hispanos que dominaba,  entenderemos la riqueza de sus piezas, como Wolverines, King Porter Stomp, The Pearls, Kansas City Stomps

A esto Martin Williams añade la incorporación de los ritmos hispanos y del blues: la música de Morton sería como una alianza entre el ragtime y el blues (notas “desafinadas”) con elementos de la música folklórica francesa y española (la importancia de las síncopas y los contratiempos), los himnos baptistas y la música de marchas.

Seguiremos en una próxima entrada escribiendo sobre la importancia de los blues en la música del jazz primitivo y del uso que Morton hizo de los riffs y de los breaks. De lo que no cabe duda es de que se puede decir que Mortom fue “el primer gran maestro de la forma en el jazz”, comparable a un Duke Ellington, un John Lewis o un Thelonious Monk.